31 de agosto de 2014

History Of Jazz #103 - Woody Shaw

S - Shaw, Woody 
Rosewood
(15 de diciembre, 1977)


Aunque nacido el 24 de Diciembre de 1944, en Laurinburg, Carolina del Norte, la infancia de Woody Shaw transcurrió en Newark, Nueva Jersey, donde comenzó a tocar la corneta sin pistones a la edad de 9 años. Dos años más tarde, por pura casualidad, adopta su instrumento definitivo, tomando clases de trompeta con Jerome Ziering, un profesor a quien el propio Shaw atribuyó una gran influencia en su desarrollo temprano como músico. Shaw demostró una gran capacidad, con oído absoluto y memoria fotográfica, y como resultado de ello sus profesores lo inscribieron dos cursos por delante del que le correspondía por edad en el Arts High School, una institución por donde habían pasado nombres tan notables como los de Wayne Shorter, Sarah Vaughan o Larry Young.

Las primeras influencias de Shaw fueron Louis Armstrong, Fats Navarro, Miles Davis, Kenny Dorhman, Freddie Hubbard, Lee Morgan y, especialmente, Dizzy Gillispie, con quien el padre de Shaw -un cantante de gospel- había acudido a la High School. En 1963 da comienzo su carrera profesional grabando con Willie Bobo y Eric Dolphy, quien, al año siguiente, invita a Shaw a acompañarle a París. A pesar de la repentina muerte de Dolphy, justo antes del proyectado viaje, Shaw decide ir de todas formas a la capital francesa, donde se establece con su amigo Nathan Davis al lado de figuras como Bud Powell, Kenny Clarke o Art Taylor. En tal compañía, el trompetista frecuenta Londres y Berlín, pero en 1964 decide regresar a Estados Unidos, para unirse al quinteto del pianista Horace Silver, con quien permanece durante el bienio 1965-1966. Durante el resto de la década trabaja con Chick Corea (1966), Jackie McLean (1967), Booker Ervin (1968), McCoy Tyner (1968), Max Roach (1968) y Andrew Hill (1969).

La década de 1970 se inicia con colaboraciones con Pharoah Sanders, Hank Mobley, Gary Bartz, Archie Sheep y Joe Henderson, quien lo contrata para su quinteto en 1970. Desde 1971 hasta 1973 forma parte de los famosos Jazz Messengers de Art Blakey, y tras ese período se establece en San Francisco para co-liderar un proyecto junto a Bobby Hutcherson. En 1975 vuelve a Nueva York junto al baterista Louis Hayes, con quien forma un quinteto a nombre de ambos. En 1977 Shaw, influenciado por la música modal de Coltrane y el hard bop de corte más clásico, lidera varios grupos bajo su nombre. En 1978 firma con Columbia Records para editar una serie de álbumes hoy ya clásicos. 

De esta época nos cuenta Gioia:
El trompetista no recibió un reconocimiento amplio en los círculos del jazz hasta finales de 1960, en las que hizo una serie de grabaciones célebres para el sello CBS en las cuales sus líneas melódicas vigorosas mezclaban a menudo fragmentos recortados y frases modales de "parada y marcha", condimentadas con una fuerte dosis de cuartas, por encima de las estructuras de acordes convencionales. Este era cada vez más el sonido de moda en la época -si los intervalos fueran modas, la cuarta justa sería el equivalente jazzístico de la moda sport  de finales de 1960-, sin embargo ningún trompetista empleaba esta técnica con más brío y pura energía que Shaw. Y ningún trompetista de jazz de esos días parecía tener un futuro más brillante.

Desde entonces y hasta 1983, Shaw mantiene un quinteto relativamente estable, que incluía, entre otros, al trombonista Steve Turre y al pianista Mulgrew Miller, pero a partir de esa fecha se suceden numerosas formaciones en las distintas agrupaciones bajo su nombre.
A principios de 1980 la prominencia de Shaw quedó bruscamente eclipsada por la llegada de Wynton Marsalis, quien no sólo fue prontamente etiquetado como el "young lion" de la trompeta, sino que también sucedió a Shaw como principal objetivo en las tareas de promoción de la casa CBS.
Otros acontecimientos contribuyeron también a hacer descarrilar la carrera de Shaw: el diagnóstico de una enfermedad incurable en los ojos que le estaba haciendo perder progresivamente la visión, una relación sentimental rota, una depresión y el consumo de estupefacientes. En el otoño de 1988, Shaw perdió un brazo en una misteriosa caída delante de un tren del metro de Nueva York, un accidente que le llevó a la muerte meses más tarde.


Woody Shaw
Complete CBS Studio Recordings

CD 1
1 - The Legend Of Cheops
* 2 - Rosewood *
3 - Everytime I See You
4 - Sunshowers
5 - Rahsaan's Run
6 - Theme for Maxine
7 - Woody I
8 - Woody II
9 - Woody III

CD 2
1 - To Kill A Brick
2 - Organ Grinder
3 - We'll Be Together Again
4 - Time Is Right
5 - Why?
6 - Joshua C.
7 - Teotihuacan
8 - Isabel The Liberator
9 - Ginseng People
10 - OPEC

CD 3
1 - United
2 - Pressing The Issue
3 - Katrina Ballerina
4 - The Greene Street Caper
5 - What Is This Thing Called Love?
6 - Blues For Wood


Gracias al colega Dharmendra por esta contribución

29 de agosto de 2014

Charlie Parker - El fuego inextinguible


Hoy, Charlie Parker habría cumplido 94 años.
Siguiendo el consejo de Jean-Paul Sartre, que acostumbraba decir: Le jazz, c’est comme les bananes, ça se consomme sur place, a Quintaesencia se le antoja celebrar el acontecimiento con Bird totalmente en vivo, desde antológicas grabaciones que pintan de cuerpo entero la vitalidad que dejaba sobre un escenario.

Como un verdadero poeta, Parker tal vez haya sido el músico del siglo XX que mejor transportó el espíritu tardoromántico, moderno, radical y maldito. Ha habido muchos después, unos pocos antes, pero ninguno como él ha reportado un arte tan subjetivo, veloz, flamante y desconsolado. Una llama que surgió y se extinguió de un modo meteórico.
Afortunadamente, desde una vieja edición de Diagonal Periódico, un anónimo redactor -a quien agradezco, se encuentre donde se encuentre-, construyó una bellísima pieza periodística que nos viene de maravilla para decorar textualmente esta entrada:

Para comprender la importancia de Bird en el desarrollo de la historia de la música, basta con escuchar a cualquier intérprete  contemporáneo y entonces advertir que su creación se mueve por espacios de libertad que Charlie Parker conquistó en su día, para uso y disfrute de la posteridad. El mérito musical de Parker fue precisamente ése, crear espacios infinitos de libertad en el interior de una música que había nacido precisamente para eso, para la expresión de una libertad necesaria e inherente al espíritu humano, una libertad que no existía en las calles, en la sociedad norteamericana (especialmente para los negros), y que hallaba en  la representación artística una posibilidad de existir plenamente, al menos como metáfora. Por supuesto hay un antes y un después de Charlie Parker. O más exactamente, un antes y un después de la aparición del bebop, la corriente musical con la que Bird, junto a Dizzy Gillespie y muchísimos otros músicos en su mayoría afroamericanos, subvirtió las estructuras  tradicionales del comercialmente pautado y políticamente correcto swing, estableciendo una forma libre y virtuosa de hacer música, basada en la libertad melódica, en la espontaneidad y en la expresión ilimitada de la individualidad del músico. 

Nadie sabe muy bien qué quiere decir bebop pero muchos sostienen que ésa era la manera de tararear las cuartas aumentadas descendentes: ni más ni menos que la peor de las disonancias del sistema tonal, aquella que en la Edad Media habían llamado "el diablo en música".
Algún crítico ha explicado el asunto afirmando que con la llegada del bebop, el jazz perdía su virginidad, su inocencia tradicional.
Los boppers eran individuos talentosos y exhibían sin reparos una nueva actitud, una nueva imagen y una asertividad que contrastaba con la sumisión que la sociedad estadounidense esperaba de los negros. Eran una nueva clase de artistas seguros de sí mismos, decididamente contestatarios, originales e irreverentes, que no tardaron en ganarse la antipatía de los sectores más conservadores del arte y la política. Frecuentemente expuestos a los rigores de la vida nocturna, al consumo casi sistemático de alcohol, heroína y otras drogas -de cuya influencia en el jazz no se ha hablado sino tangencialmente- y a condiciones de vida en ocasiones lamentables, estos músicos a menudo presentan biografías truculentas, cuando no escandalosas.

La biografía de Charlie Parker está tan marcada por el dolor y la sordidez que se hace difícil comprender cómo cabe tanto sufrimiento en apenas 35 años. Desde luego, no fue sólo mala suerte. Habría que buscar la causa más precisamente en su curiosa y enfermiza incapacidad para limitar sus desmesurados apetitos. Quienes lo conocieron siempre han señalado fascinados esta característica suya: comía en exceso, bebía en exceso y, sobre todo, se drogaba en exceso casi desde la pubertad. En poco tiempo generó una adicción que lastraría su vida personal y profesional hasta convertirla en una calamidad. Además, su condición de músico nocturno le obligaba a sufrir la continua exigencia artística de superarse cada día, de exprimir su genio en clubes, en bares, en salas de concierto, en estudios de grabación. Su salud se iba minando con la velocidad de una mecha encendida y sin embargo su talento musical crecía, ajeno al declive físico, como animado por otra forma de apetito incontrolable: empezaba a tocar a medianoche, de club en club, y no paraba hasta mediodía. Sus últimos dos años fueron ya un infierno de mala salud y desequilibrio emocional. Sufre la muerte de su pequeña hija Pree y se intenta suicidar dos veces. Su relación con el mundo se convierte en un desesperado y silencioso grito de socorro.
En 1954, en una inquietante y certera premonición, escribe unos versos a su mujer: "La muerte es algo urgente, mi fuego es inextinguible".
Su hazaña artística, conseguida a través de un extenuante esfuerzo, debería ser ese fuego inextinguible en el que Parker confiaba, un fuego que prendió con el aire turbio y caliente de su saxo y que aún ilumina los senderos por los que discurre el jazz actual. 

Feliz Cumpleaños, Maestro!


Charlie Parker - At The Finale Club & More

Estas grabaciones se componen de cinco extraordinarias tomas de Parker junto a otras figuras célebres de la época como Miles Davis, Kenny Dorham, Joe Albany, Nat "King" Cole, Benny Carter, Buddy DeFranco, Lucky Thompson, Max Roach, Al Haig, Bill Harris, Jimmy Knepper, Roy Haynes y Buddy Rich.
Las fechas y lugares varían: un registro privado en New Brunswick, New Jersey, del 28 de Agosto de 1950; dos tomas grabadas en el Valencia Theater de Nueva York del 25 de Marzo de 1952; dos tomas de una transmisión radial realizada desde el Waldorf Astoria Hotel de Nueva York el 5 de Marzo de 1949; otras dos grabadas en los NBC Studios de Los Ángeles en Marzo y Abril de 1946 y, abriendo las selecciones, la emisión radial en Finale Club de Los Ángeles  de 1946 que da título al compendio, la más antigua existente de Charlie Parker "en vivo". Obviamente, la calidad sonora no siempre corresponde a los estándares modernos como sucede casi siempre con los documentos jazzísticos de alto valor histórico.

1 - Billie's Bounce
2 - Ornithology
3 - All The Things You Are
4 - Blue 'N Boogie
5 - Anthropology
6 - Hot House / What Is This Thing Called Love?
7 - I May Be Wrong
8 - Parker's Mood
9 - 'S Wonderful
10 - Indiana
11 - Ornithology
12 - Cool Blues
13 - Barbados
14 - Anthropology
15 - Tea For Two
16 - Body And Soul
17 - Cherokee
18 - Ornithology


 Charlie Parker - Complete Live At Café Society

Se reúnen aquí, por primera vez, la totalidad de las grabaciones existentes de sus presentaciones en el Café Society de Nueva York en Junio y Julio de 1950. En estos registros se incluyen las dos únicas versiones conocidas de Charlie Parker de "Bewitched" and "Gone With The Wind", como así también la única versión de "Summertime", descontando la que realizó en estudio acompañado por una orquesta de cuerdas.
Según las fechas, figuran aquí secundándolo: Kenny Dorham en trompeta; Tony Scott en clarinete; Al Haig y Dick Hyman en los pianos; Chuck Wayne en guitarra; Tommy Potter y Leonard Gaskinen en contrabajos y Roy Haynes y Ed Shaughnessy en las baterías.

1 - 52nd Street Theme (I)
2 - Just Friends (I)
3 - April In Paris (I)
4 - A Night In Tunisia Into 52nd Street Theme (II)
5 - 52nd Street Theme (III)
6 - Just Friends (II)
7 - April In Paris (II)
8 - Medley 1: Bewitched, Bothered & Bewildered / Summertime
9 - Medley 2: I Cover The Waterfront / Gone With The Wind
10 - Easy To Love Into 52nd Street Theme (IV)
11 - Medley 3: What's New / It's The Talk Of The Town
12 - Moose The Mooche Into 52nd Street Theme (V)
13 - Lover, Come Back to Me
14 - 52nd Street Theme (VI)


Charlie Parker
The Complete Legendary Rockland Palace Concert

Este doble compacto reúne una de las más extensas grabaciones en directo de Parker, realizada en forma privada en el Rockland Palace Dance Hall de Harlem el 26 de Septiembre de 1952.
El concierto fue organizado especialmente en honor y apoyo de Benjamin J. Davis, un funcionario del partido comunista estadounidense, ex miembro del consejo de la ciudad y periodista del Daily Worker, quien fuera condenado a una pena de 5 años de cárcel en 1949, por "subversión política". Su actuación como activista contra la segregación y la discriminación racial lo convirtió en un héroe para los ciudadanos de Harlem.
Junto a Bird estuvieron allí, entre otros: Walter Bishop al piano, Mundell Lowe en guitarra, Teddy Kotick al contrabajo y Max Roach en batería.
Lo que hace este especial de grabación es la aparición de su única versión grabada de "Sly Mongoose" y la duración del concierto, gran parte de él con Parker acompañado por una orquesta de cuerdas, registrándose algunos números que nunca antes habían sido ejecutados en dicho contexto como  "Stardust" y  "Gold Rush" (una composición de Gerry Mulligan también conocida como "Turnstile").
Durante años, los coleccionistas conocían sólo las grabaciones de mala calidad realizada con un grabador de alambre por alguien de la audiencia (posiblemente Chan, la esposa de Parker). Pero en 1990, se descubrió una nueva cinta del concierto, con un sonido más notable pero con algunos solos no empalmados correctamente. Pues bien... el sello Jazz Classics los compró, los etiquetó y empalmó debidamente y he aquí el resultado.

CD 1
1 - East Of The Sun (#1)
2 - What Is This Thing Called Love? (#1)
3 - Stardust
4 - Ornithology
5 - Easy To Love (#1)
6 - Just Friends (#1)
7 - Dancing In The Dark
8 - Gold Rush (aka Turnstile)
9 - Don't Blame Me
10 - April In Paris
11 - Repetition (#1)
12 - Everything Happens to Me
13 - Sly Mongoose (#1)
14 - Sly Mongoose (#2)
15 - Rocker (#1) 
16 - Laura
17 - Lester Leaps In

CD 2
1 - Out Of Nowhere
2 - I Didn't Know What Time It Was
3 - Cool Blues
4 - Star Eyes 
5 - I'll Remember April
6 - My Little Suede Shoes
7 - Repetition (#2)
8 - East Of The Sun (#2)
9 - What Is This Thing Called Love? (#2)
10 - Moose The Mooche
11 - Just Friends (#2)
12 - Easy To Love (#2)
13 - This Time The Dream's On Me
14 - Rocker (#2)

25 de agosto de 2014

Oscar Pettiford - Tranquila experimentación


Oscar Pettiford - In A Cello Mood

Oscar Pettiford nació en Okmulgee, Oklahoma, el 30 de Setiembre de 1922 y murió en Copenhagen, Dinamarca, el 8 de Setiembre de 1960. De origen  choctaw (por parte de madre) y cherokee (por parte de padre), fue el músico de jazz nativo americano más famoso de la historia, aunque sólo unos pocos allegados conocían el dato. 
Dotado de una técnica muy refinada, capaz de expresarse como apoyo rítmico tanto en grandes bandas como en pequeños grupos, fue un verdadero pionero del bebop, convirtiéndose en un factor importante de la escena del jazz cuando en 1943 Charlie Barnet lo llevó desde Minneapolis a Nueva York como parte de un equipo de dos contrabajos junto a Chubby Jackson. A partir de entonces, grabó con Earl Hines y Ben Webster durante un período y compartió liderazgo en un grupo junto a Dizzy Gillespie en 1944. Un año más tarde se unió a Coleman Hawkins para actuar en la Costa Oeste, integró la orquesta de Duke Ellington entre 1945 y 1948, y trabajó con Woody Herman en 1949. 
Además de ser un gran contrabajista, Oscar Pettiford fue el primero en la utilización del violonchelo como instrumento solista de jazz, un papel muy diferente al de su participación como integrante en las secciones de cuerda.

En esta recopilación de Fresh Sound se recogen cuatro grabaciones registradas entre 1952 y 1954, lo que explica que las formaciones varíen del cuarteto al sexteto. Verdadero ejemplo de "experimentación tranquila", en una de las sesiones de 1953 la formación comprendía dos chelos, contrabajo, piano y batería; en la otra sesión de 1953 y en la de 1954 aparecía otro  instrumento inusual en el jazz como es el corno francés. Otro factor a destacar fueron sus acompañantes, entre los que se encontraban Charles Mingus (elemento propulsor de las secciones rítmicas), el saxofonista Charlie Rouse (acompañante habitual de Thelonious Monk durante más de diez años), el pianista Duke Jordan o el intérprete de corno Julius Watkins.
Entre los diecinueve temas se incluye material de primera. Su carácter varía entre las distintas sesiones (aquí hay be-bop, un terreno en el que se movió Pettiford en la década de 1940), aunque el factor común a todas ellas son los magníficos solos, capaces de hacer mover los pies al más pintado. También hay que destacar unos arreglos muy trabajados y acordes a la época (del be-bop se había pasado a nuevas maneras de entender el jazz), especialmente en la última sesión.

La mayoría de temas fueron compuestos por Pettiford, incluyendo sus populares "Blues In The Closet" y "Tricrotism". También recoge una revisión ellingtoniana ("I’m Beginning To See The Light"), así como composiciones de Gerry Mulligan ("Sextette"),  Quincy Jones ("Stockholm Sweetnin’" y "Golden Touch") y Harry Babasin (el otro violonchelista participante, autor de las brillantes "In A Cello Mood" y "Monti Celli"). Tal y como reza el último tema, gracias a recopilaciones como esta, el chelo de Oscar Pettiford "Rides Again".


1 - Cello Again
2 - Ah-Dee-Dong Blues
3 - Sonny Boy 
4 - I’m Beginning To See The Light 

Oscar Pettiford (chelo), Billy Taylor (piano), Charles Mingus (contrabajo), Charlie Smith (batería).
Nueva York, 16 de Octubre, 1952

5 - In A Cello Mood
6 - Blues In The Closet
7 - Monti Celli
8 - Too Marvelous For Words 

Oscar Pettiford y Harry Babasin (chelos), Arnold Ross (piano), Joe Comfort (contrabajo), Alvin Stoller (batería). 
Hollywood, 14 de Mayo, 1953

9 - The Pendulum At Falcon’s Lair 
10 - Tamalpais
11 - Jack The Fieldstalker
12 - Stockholm Sweetnin’
13 - Low And Behold

Oscar Pettiford (chelo y contrabajo), Julius Watkins (corno francés), Phil Urso (saxo tenorr), Walter Bishop (piano), Charles Mingus (contrabajo), Percy Brice (batería).
Nueva York, 29 de Diciembre, 1953

14 - Sextette
15 - Golden Touch
16 - Cable Car
17 - Tricrotism
18 - The Edge Of Love
19 - Rides Again

Oscar Pettiford (chelo y contrabajo), Julius Watkins (corno francés), Charlie Rouse (saxo tenor), Duke Jordan (piano), Ron Jefferson (batería).
Nueva York, Septiembre, 1954



23 de agosto de 2014

Johnny Carisi - Rescatados II


Johnny Carisi
The Music of Johnny Carisi - Israel

A finales de 1940 y principios de 1950, un grupo de músicos altamente educados y clásicamente bien informados, reflejaron su formación académica en el mundo del jazz a través de sofisticados arreglos cuyas estructuras demostraron qué tan bien podían maridar tanto en el ámbito de grandes bandas como también en el reducido espacio instrumental de pequeños combos.
Considerado como un verdadero movimiento dentro del género, este grupo estuvo liderado principalmente por Gil Evans, Gerry Mulligan, Ralph Burns, Tiny Kahn, John Lewis, George Russel y el protagonista de la presente entrada: el trompetista Johnny Carisi.
Johnny, que nació el 23 de febrero de 1922 y abandonó físicamente este mundo el 3 de octubre de 1992, estudió con el afamado compositor Stefan Wolpe y comenzó su carrera como miembro de la  Herbie Fields's Orchestra (entre 1938 y 1943), siguió con su presencia en la Glenn Miller's Army Air Force Band y, una vez terminada la guerra, continuó en las orquestas de Ray McKinley, Claude Thornhill, Charlie Barnet, Urbie Green y Benny Goodman, entre otras.

Carisi no es un músico excesivamente conocido, debido principalmente a la escasa producción de obras tantos escritas como arregladas, pero a pesar de ello hay que destacar que aportó y colaboró en la evolución de grandes grupos y pequeñas formaciones, como lo demuestra una interesante y atractiva reedición realizada en 2013 por sello Fresh Sound bajo el subtítulo Israel, composición que siempre estará asociada a su persona, estrenada por el célebre noneto de Miles Davis en su proyecto Birth Of The Cool pero que también resaltó en la concepción de Gerry Mulligan y en la del propio Carisi con su grupo de 1956, quizá lo más atrayente de esta edición, ya que estas grabaciones iban a formar parte de un disco de la discográfica RCA Victor, con el título Jazz Workshop / Johnny Carisi, pero que finalmente nunca llegó a publicarse, .

A través de la música reunida en este breve pero fantástico compendio, se muestran arreglos y composiciones extremadamente compactas y muy trabajadas a nivel musical, lo que permite escuchar estructuras muy cohesionadas,  ricas armonías y una paleta de sonoridades de infinitos colores, en las cuales participan algunos músicos resolutivos como el trombonista Urbie Green, los clarinetistas Tony Scott y Ray Beckenstein , el guitarrista Barry Galbraith y el saxo tenor de Eddie Wasserman, entre otras grandes luminarias.

En definitiva, una estupenda reedición con una retrospectiva integral de Johnny Carisi  ("...una de las personas más olvidados en la historia de la música...", según Bob Brookmeyer) que sirve para descubrir a un músico que sin duda alguna, merece el mejor de los recuerdos a la hora de mencionar a los grandes creadores de la historia del jazz.

1 - Israel
2 - Honeysuckle Rose
3 - Lestorian Mode
4 - Barry’s Tune
5 - How About You?
6 - Hips
7 - Springville
Johnny Carisi's Jazz Workshop:
Johnny Carisi, (trompeta), Urbie Green (trombón), Ray Beckenstein (saxo alto y clarinete), Eddie Wasserman (saxo tenor), Danny Bank y Sol Schlinger (saxos barítonos), Barry Galbraith (guitarra), Russ Saunders y Milt Hinton (contrabajos), Herb Wasserman y Osie Johnson (baterías). 
Webster Hall Studio, Nueva York, 5 de Mayo, 11 de Mayo y 21 de Abril, 1956

8 - Breakfast With Joe
Al Cohn Octet:
Al Cohn (saxo tenor), Joe Newman (trompeta), Billy Byers (trombón), Gene Quill (saxo alto), Sol Schlinger (saxo tenor), Sanford Gold (piano), Buddy Jones (contrabajo), Osie Johnson (batería).
Webster Hall Studio, Nueva York, 23 de Diciembre, 1954

9 - Walkin’ On Air
Tony Scott Tentet:
Tony Scott (clarinete), Johnny Carisi y Joe Wilder (trompetas), Jimmy Cleveland y Urbie Green(trombones), Danny Bank (saxo barítono), Bill Evans (piano), Barry Galbraith (guitarra), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).
Webster Hall Studio, Nueva York, 5 de Julio, 1956

10 - Little John
Urbie Green & His orchestra:
Urbie Green, Jack Green y Chauncey Welsch (trombones), Johnny Carisi, Nick Travis y Joe Wilder (trompetas), Bill Barber (tuba), Ray Beckenstein y Hal McKusick (saxos altos), Al Cohn (saxo tenor), Sol Schlinger (saxo barítono), Dave McKenna (piano), Jack Lesberg (contrabajo), Osie Johnson (batería).
Beltone Studios, Nueva York, 5 de Agosto, 1956

11 - Springville
12 - Plain Bill From Bluesville
Urbie Green & His orchestra:
Urbie Green, Lou McGarity y Rex Peer, (trombones), Johnny Carisi, Doc Severinsen y Phil Sunkel (trompetas), Bill Barber (tuba), Ray Beckenstein y Hal McKusick (saxos altos), Al Cohn (saxo tenor), Danny Bank (saxo barítono), Dave McKenna (piano), Vinnie Burke (contrabajo), Osie Johnson (batería).
Beltone Studios, Nueva York, 23 de Agosto, 1956

13 - Israel
Gerry Mulligan & The Concert Jazz Band:
Gerry Mulligan y Gene Allen(saxos barítonos), Don Ferrara, Nick Travis y Doc Severinsen (trompetas), Bob Brookmeyer (trombón a válvulas), Willie Dennis (trombón), Alan Raph (trombón bajo), Gene Quill y Bob Donovan (saxos altos), Bill Crow (contrabajo), Mel Lewis (batería).
Webster Hall Studio, Nueva York, 10 de Julio, 1961

14 - Angkor Wat
15 - Barry’s Tune
16 - Moon Taj
Johnny Carisi & His Orchestra:
Johnny Carisi, Johnny Glasel, Doc Severinsen, Clark Terry, Joe Wilder (trompetas), Urbie Green (trombón), Bob Brookmeyer (trombón a válvulas), Jimmy Buffington (corno francés), Harvey Phillips (tuba), Phil Woods y Gene Quill (saxos altos), Eddie Costa (piano y vibráfono), Barry Galbraith (guitarra), Art Davis y Milt Hinton (contrabajos), Osie Johnson (batería).
Beltone Studios, Nueva York, 14 de Setiembre, 1 de Ocrubre y 31 de Octubre, 1961

17 - Israel
Miles Davis Nonet:
Miles Davis (trompeta), J.J. Johnson (trombón), Sandford Siegelstein (corno francés), Bill Barber (tuba), Lee Konitz (saxo alto), Gerry Mulligan (saxo barítono), John Lewis (piano), Nelson Boyd (contrabajo), Kenny Clarke /aka  L.A. Salaam (batería).
WOR Studios, Nueva York, 22 de Abril, 1949

17 de agosto de 2014

Evans Bradshaw & Roosevelt Wardell - Rescatados


 Evans Bradshaw & Roosevelt Wardell
Evans Bradshaw Trio Plus Roosevelt Wardell Trio

Fresh Sound Records, el sello discográfico barcelonés liderado por Jordi Pujol, se destaca por realizar una tarea impresionante en lo que se refiere a rescatar documentos sonoros y grabaciones muy poco conocidas de la historia del jazz. Muchas veces, hasta los aficionados muy conocedores se sorprenden ante la aparición de registros que, con el paso del tiempo, habían quedado en el olvido.
La presente entrada es un claro ejemplo de ello.

Este doble CD presenta los únicos discos grabados para el sello Riverside de dos pianistas jóvenes y talentosos: Evans Bradshaw (1933-1978) y Roosevelt Wardell (1934-1999). Ambos disfrutaron cierto éxito a finales de 1950 y principios de l960, mostraron signos significativos de maduración artística pero, en ambos casos, ya fuera por un bajo perfil, poca difusión o la sombra característica que proyectaban otras grandes figuras del momentos, gran parte de sus obras se mantuvieron desconocidas y sus carreras nunca despegaron de la forma que hubieran merecido.

De Evans Bradshaw, mayormente asociado con la escena de Detroit, figuran aquí sus únicos dos álbumes bajo su nombre: Look Out For Evans Bradshaw (del 9 de Junio de 1958) y Pieces Of Eighty-Eight (del 27 de Enero de 1959), en los cuales hace gala de un formidable toque inventivo, un comando técnico impecable, una gran destreza para el swing en los momentos de "uptempo" y una exquisita sensibilidad al momento de atacar las baladas. En ambas grabaciones, el formato elegido fue el de trío, los que se completaron con Jamil Nasser o Al Jackson en contrabajos y Philly Joe Jones o Richard Allen en las baterías. 

Por su parte, de Roosevelt Wardell se sabe que comenzó como cantante de "rhythm & blues" antes de convertirse en un pianista de jazz. Fue el saxofonista Cannonball Adderley quien lo descubrió en Los Angeles, en una de sus giras con su colega Dexter Gordon y, como era bastante característico en él, rápidamente convenció a los directivos de Riverside para organizar una grabación que, finalmente,  fue realizada el 5 de Octubre de 1960, con el pianista secundado por Sam Jones en contrabajo y Louis Hayes en batería, cuyo resultado fue editado bajo el título The Revelation, a la postre el único opus que ha quedado para dar cuenta de su autoridad como intérprete. Estas grabaciones revelaron una madurez que no "coincidía" con su edad, claramente demostrada en el desarrollo de líneas imaginativas perfectamente construidas para las cuales no necesitó de trucos facilistas ni florituras vacías.

En definitiva: dos posibles comienzos de grandes carreras que el tiempo y sus circunstancias truncaron.
Cierta crítica sostiene que, de haberse desarrollado en su totalidad, podrían haber alcanzado el mismo nivel que las de Red Garland y Wynton Kelly, nada menos.
Sin embargo, las promesas siguen ahí, intactas, registradas para la posteridad a fin de ser reconocidas, saboreadas y disfrutadas.


CD 1
1 - Georgia On My Mind
2 - Hallelujah!
3 - The Prophet
4 - Love For Sale
5 - Coolin’ The Blues
6 - Blueinet
7 - Angel Eyes
8 - Old Devil Moon


9 - The Trolley Song
10 - Mangoes
11 - Pushing The Blues
12 - It Ain’t Necessarily So
13 - Take The "A" Train

CD 2
1 - A Foggy Day
2 - It’s All Right With Me
3 - Blues For Jim
4 - A Night In Tunisia


5 - Like Someone In Love
6 - Lazarus
7 - Autumn In New York
8 - Max The Maximum
9 - Elijah Is Here
10 - Willow Weep For Me
11 - Cherokee
12 - The Revelation

16 de agosto de 2014

History Of Jazz #102 - Stan Kenton (I)

K - Kenton, Stan
Artistry In Rhythm
(19 de noviembre, 1943)


Stan Kenton - Chronological Classics · 1940-1944

Stan Kenton había nacido en Wichita, Kansas, el 15 de Diciembre de 1911, pero pasó buena parte de su infancia en California. Coqueteó con los instrumentos de cuerda, madera y metal antes de centrar su energía en los arreglos y el piano. Fue aprendiz en una gran variedad de grupos en la década de 1930, dejando pasar oportunidades más lucrativas con el fin de poder tocar su propia música con su banda en el sur de California.
Por pura insistencia Kenton consiguió hacerse con algunas actuaciones a nivel local, lo que le permitió ser contratado en el verano de 1941 en el Rendezvous Ballroom de Balboa, un refugio insular para una clientela joven como la propia banda de Kenton -sólo dos de los músicos tenían más de veintiún años-. El público respondió con un fervor sin precedentes ante este grupo semidesconocido de instrumentistas casi adolescentes, dirigidos por un hombre escultural de maneras desenfrenadas, que agitaba los brazos y se movía sin cesar.
Pronto, la banda de Kenton firmó con el sello Decca, empezó a tocar en las mayores salas de baile del país y fue objeto de reseñas en casi todos los números de la revista Down Beat.
Kenton había fundado su orquesta como una forma de presentar sus composiciones propias -temas arrolladores como "Artistry In Rhythm"-, que debían más a Tchaikovski y a Rosemberg que a cualquier antecedente jazzístico. Pero con el tiempo, Stan se dio cuenta de que su genio residía en la creación de un entorno en el que otras mentes musicales pudiesen refinar  y expandir el sonido característico que definiría a su orquesta.
Gustaba de combinar los ingredientes más dispares, como en su banda de post-guerra, en la que las composiciones hipermodernas del arreglista Pete Rugolo se veían aligeradas por el agridulce saxo contralto de Art Pepper y el estilo vocal directo y natural de June Christy. Durante un tiempo Rugolo actuó de alter ego de Kenton, escribiendo o colaborando en una serie de piezas ambiciosas, algunas más en estilo de jazz y otras con mayor influencia afrocubana, muchas de ellas con tintes clásicos. Pero Kenton no tardó en volver a ampliar su ámbito de actuación, recurriendo a otros compositores habituales. Al mismo tiempo expandía su paleta musical, experimentando con nuevos instrumentos y diferentes texturas.

Para esta introducción, una buena muestra es el contenido del presente volumen de la serie  Chronological Classics, con un repaso cronológico de sus tempranos  registros realizados para los sellos Decca y Capitol entre 1940 y 1944, un inmejorable punto lógico de partida para todos cuantos quieran comprender su vida y obra. Aquí se incluye, por ejemplo, la primera versión del su "Artistry In Rhythm", composición que señala el verdadero inicio del "sonido Kenton".

1 - Etude For Saxophones
2 - Taboo
3 - Adios
4 - This Love Of Mine
5 - The Nango
6 - Gambler's Blues
7 - Lamento Gitano
8 - Reed Rapture
9 - Concerto For Doghouse
10 - El Choclo
11 - Do Nothin' Till You Hear From Me
12 - Eager Beaver
13 - Harlem Folk Dance
* 14 - Artistry In Rhythm *
15 - How Many Hearts Have You Broken
16 - I'm Going Mad For A Pad
17 - And Her Tears Flowed Like Wine
18 - Sweet Dreams, Sweetheart
19 - Gotta Be Gettin'
20 - Ev'ry Time We Say Goodbye
21 - Are You Livin' Old Man?
22 - Balboa Bash

9 de agosto de 2014

History Of Jazz #101 - Teddy Wilson

W - Wilson, Teddy
Don’t Blame Me
(12 de noviembre, 1937)


Teddy Wilson And His Orchestra
Chronological Classics · 1937-1938

La historia de Theodore Shaw Wilson, artísticamente conocido como Teddy Wilson, hasta la fecha elegida por Gioia para representarlo en la discografía del libro que nos ocupa, es más o menos como sigue.
Nació en Austin, Texas el 24 de Noviembre de 1912, se educó en Tuskegee, Alabama y desde muy joven estudia piano y violín, primero en el Instituto local y luego en el Talladega College, donde amplía sus conocimientos musicales. Se decanta por el piano tras escuchar en su casa los discos de Earl Hines, su primera influencia pianística. Decide hacerse músico profesional y se traslada a Detroit donde comienza a tocar en pequeños grupos locales para acabar en la banda del baterista Speed Webb. Al año siguiente es contratado en Toledo, Ohio, por la orquesta de Milton Senior para sustituir, nada más y nada menos que al mismísimo Art Tatum.

En 1931 llega a Chicago para tocar con las bandas de Erskine Tate y Clarence Moore antes de ser contratado por Louis Armstrong en 1933, con quien graba sus primeros discos. Tras un breve paso por la banda del cornetista, ingresa en la formación del clarinetista Jimmie Noone y, a finales de ese año, marcha a New York contratado por Benny Carter y los "Chocolate Dandies" con los que también grabará. Una figura importantísima en la historia del jazz como el cazatalentos y productor John Hammond le cambiará la vida ya que, tras escucharlo una noche en un programa de radio de Chicago con la banda de Clarence Moore, lo presenta a Benny Goodman y unos días más tarde, el 22 de mayo de 1934, realiza por primera vez a su nombre una sesión de solos de piano.

En 1935, deja definitivamente la orquesta de Benny Carter y se une a la banda de la cantante, Willie Bryant, y luego unos meses con "The Charioters", un grupo de góspel. A mediados de 1935 Benny Goodman lo contrata para formar con él y el baterista Gene Krupa, un trío sumamente original que al año siguiente, con la incorporación del vibrafonista Lionel Hampton, se transforma en el famoso "Benny Goodman Quartet". En ese contexto de tríos y cuartetos liderados por Goodman, Teddy Wilson se mantiene hasta 1939, cuando de nuevo Hammond, le consigue un contrato con el sello Brunswick para dirigir sesiones de estudio con los mejores músicos de entonces, escogidos de las orquestas de Cab Calloway, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie. 

La obra que se presenta en esta entrada contiene grabaciones ordenadas cronológicamente de sus trabajos como líder entre Septiembre de 1937 hasta abril del año siguiente y presenta algunos de sus cortes inolvidables con Billie Holiday y Lester Young como así también con dos vocalistas casi olvidadas de finales de los años treinta como Sally Gooding y Nan Wynn.
El programa contiene célebres actuaciones con red Norvo en xilofón y Harry James en trompeta, con el majestuoso saxo tenor de Chu Berry, interesantísimas intervenciones del trompetista Hot Lips Page, del clarinetista Pee Wee Russell y varias estrellas de la orquesta de Count Basie de entonces para una sesión histórica el 6 de Enero 1938.

"Don’t Blame Me" y "Between The Devil And The Deep Blue Sea" son las cuotas de Teddy solo al piano, ilustrando sobremanera la flexibilidad musical y diversidad de Wilson de una manera hermosísima y revelándolo como uno de los mejores pianistas de jazz de su generación.


1 - Ain’t Misbehavin’
2 - Just a Mood (Blue Mood) Part I
3 - Just a Mood (Blue Mood) Part II
4 - Honeysuckle Rose
5 - Nice Work If You Can Get It
6 - Things Are Looking Up
7 - My Man
8 - Can’t Help Lovin’ Dat Man
* 9 - Don’t Blame Me *
10 - Between the Devil And The Deep Blue Sea
11 - My First Impression Of You
12 - With A Smile And A Song
13 - When You’re Smiling
14 - I Can’t Believe That You’re In Love With Me
15 - My First Impression Of You
16 - When You’re Smiling
17 - I Can’t Believe That You’re In Love With Me
18 - If Dreams Come True
19 - Moments Like This
20 - I Can’t Face The Music
21 - Don’t Be That Way
22 - If I Were You
23 - You Go to My Head