15 de abril de 2014

History Of Jazz #87 - Dizzy Gillespie (II)

G - Gillespie, Dizzy 
Night In Tunisia
(3 de junio, 1954)


Dizzy Gillespie
Chronological Classics · 1953-1954

Como el nombre de la colección bien lo indica, la serie Chronological Classics presenta en estricto orden cronológico las actividades  en determinados períodos de los artistas que presenta cada vez. Es así que, al no tratarse de volúmenes unitarios y con "nombre propio", las reseñas de estas series casi siempre se limitan tan sólo a promocionar sus contenidos. El crítico Arwulf Arwulf  de la All Music Guide es en consecuencia, aunque poco imaginativo, necesariamente preciso:

Esta edición del Chronological Classics documenta las grabaciones realizadas por Dizzy entre el 9 de Diciembre de 1953 y el 8 de Junio de 1954. Impulsado por el productor Norman Granz, el trompetista reunió para dichos registros, hábiles improvisadores capaces de desarrollar ajustadamente sus concepciones del hard bop y del "cuban style bop".

La colección se inicia presentando un encuentro de Dizzy con Stan Getz y un sexteto complementado por Oscar Peterson en piano, Ray Brown en contrabajo, Max Roach en batería y un Herb Ellis atacando su guitarra de una manera poco inusual, y continúa con la extraordinaria suite "Manteca", con una big band de 20 elementos arreglada por Chico O'Farrill. Para esta ocasión, la lista de integrantes fue inmejorable: Dizzy más J.J. Johnson, Ernie Royal y Quincy Jones en la sección de "cobres", Hilton Jefferson, Hank Mobley, Lucky Thompson y Danny Bank en la línea de "cañas", sumados a dos bajistas y cuatro expertos percusionistas latinoamericanos para complementar el inigualable tamborileo del baterista Charlie Persip.

Al día siguiente, cuatro de los miembros de dicha banda volvieron a reunirse con Dizzy para una relajada sesión en formato quinteto. Allí estuvieron, para secundar las dos voces principales de Diz y Hank Mobley, Wade Legge al piano, Lou Hackney al contrabajo y Charlie Persip en la batería.
Para la siguiente fecha, que tuvo lugar el 3 de Junio de 1954, Gillespie armó un octeto para el cual utilizó al flautista Gilbert Valdez y una animada sección rítmica que incluyó al maestro de la conga Candido Camero.
Finalmente, para los cuatro cortes  que cierran el disco, del 8 de Junio de 1954, al quinteto reunido dos semanas antes se sumó el trombonista Jimmy Cleveland, totalmente identificable hasta en "Rumbola", pese a que las notas discográficas aseguran que no está presente. 
Esta última sesión -y de hecho todo el segmento de carrera contemplado en estas grabaciones-, mostraron la sustancia de una música de gran emoción y profundidad. "Blue Mood", por ejemplo, es ciertamente elocuente en cuanto al apego de Dizzy a las raíces del blues.

1 - Impromptu
2 - Manteca Suite
I) Manteca Theme
II) Contraste
III) Jungla
IV) Rhumba-Finale
V) 6/8
3 - Sugar Hips
4 - Hey Pete
5 - One Alone
6 - Money Honey
* 7 - Night In Tunisia *
8 - Caravan
9 - Con Alma
10 - Blue Mood
11 - Rails
12 - Devil And The Fish
13 - Rumbola

12 de abril de 2014

History Of Jazz #86 - Gerry Mulligan

M - Mulligan, Gerry
Bernie's Tune
(16 de agosto, 1952, con C. Baker)
Line For Lyons
(23 de septiembre,1952, con C. Baker)


Gerry Mulligan Quartet with Chet Baker
Walking Shoes

El trabajo de Gerry Mulligan en California duró solamente unos pocos años, pero marcó un cambio de dirección en la carrera del saxofonista barítono. Llegó a Los Ángeles como un músico relativamente poco conocido, y se marchó siendo una importante estrella del jazz. Tomando como punto de partida su trabajo con el noneto de Miles Davis, Mulligan compuso arreglos para la banda de Stan Kenton y más tarde emprendió sus primeras e influyentes grabaciones con un conjunto grande liderado por él mismo.
Sin embargo, sus trabajos más célebres durante este período se situaban en el contexto de un simple cuarteto. Y no sólo demostró que podía componer de modo eficaz sin una gran sección de vientos, sino que hasta renunció al piano en esta formación minimalista. 
La unión de lo cerebral con lo romántico era una de las cualidades extrañas y atractivas del jazz de la costa oeste. En el caso del cuarteto de Mulligan, este último ingrediente lo aportaba sobre todo el trompetista Chet Baker. Había varias limitaciones en Baker como músico -su registro era limitado, su capacidad para leer partituras era deficiente, su técnica poco tenía de especial, su interés en la composición era casi nulo-, pero como solista de encuentra entre los más destacados de su generación. Su instinto para la improvisación melódica era sólido y seguro, y sus líneas improvisadas alcanzaban un patetismo conmovedor.
Los medios de comunicación pronto se dieron cuenta de la novedad que suponía este "cuarteto sin piano", y una crítica publicada en la revista Time tuvo especial repercusión. Poco después, se formaban largas colas para ver actuar a la banda.

En una serie de piezas memorables como "Bernie's Tune", "Line For Lyons", "Lullaby Of The Leaves" y "My Funny Valentine", Mulligan explotó al máximo el potencial de esta instrumentación limitada mediante variadas técnicas: el contrapunto entre el saxo y la trompeta, el empleo del contrabajo y la batería como voces melódicas, líneas de bajo sotto voce en los instrumentos de viento, variaciones totales en el ritmo y el fraseo rítmico, desde compases binarios del dixieland hasta swings cuaternarios o puntillistas ritmos de bop.
La edición de Walking Shoes realizada en 2001 por el sello alemán Past Perfect para su serie Silver Line, producida para su comercialización en Japón, nos sirve de maravillas para encontrarnos con la sugerencias de Ted Gioia para esta entrada.

* 1 - Bernie's Tune *
2 - Lullaby Of The Leaves
3 - Walking Shoes
4 - Freeway
5 - Frenesi
6 - Nights At The Turntable
7 - Aren't You Glad You're You
* 8 - Line For Lyons *
9 - Carioca
10 - My Funny Valentine
11 - Bark For Barksdale
12 - Moonight In Vermont
13 - The Lady Is A Tramp
14 - Turnstile
15 - Makin' Whoopee
16 - Cherry
17 - Love Me Or Leave Me
18 - Swing House
19 - Jeru
20 - The Nearness Of You
21 - I May Be Wrong 
22 - I'm Beginning To See The Light
23 - Tea For Two
24 - Five Brothers

8 de abril de 2014

History Of Jazz #85 - Benny Carter

C - Carter, Benny
When Lights Are Low
(20 de junio, 1936)
The Midnight Sun Will Never Set
(13 de noviembre,1961)


Con sólo 16 años y un talento precoz, Benny Carter atrajo la atención del público en 1923 cuando tocaba y actuaba en bandas de Nueva York. 
Con ese mismo talento, ya sea como saxofonista, arreglista y compositor, terminó desarrollando una de las carreras más gratificantes del mundo del jazz. Progresista en lo musical y siempre deseoso de aprender y asimilar nuevos conceptos, Benny Carter representó lo mejor de la nueva generación de arreglistas que floreció hacia el final dela década de 1920.
El lenguaje del jazz, puso a disposición de Carter una serie de herramientas que le permitieron llevar a cabo la creación de ambientes. Algunos pueden sentirse molestos ante esta descripción, ya que se tiende a despreciar la "música ambiental" como un arte menor, como una forma de creatividad débil. Pero como testimonia la vasta obra de Carter, la música ambiental no equivale en modo alguno a "música de fondo". En manos de los mejores músicos, la creación de un auténtico escenario emocional -un entorno sonoro capaz de envolver al público- no es una tarea superficial ni simplista, sino acaso la más antigua fuente del arte. Esta inmersión en la visión artística recibió antaño el nombre de suspensión voluntaria del escepticismo. Entre los contemporáneos de Carter, Sólo Duke Ellington lo superó en dicho talento.

Resumiendo su carrera: entre 1923 y 1928, tocó en numerosas bandas en Harlem y ya en 1929, formaba parte de la orquesta de Fletcher Henderson, donde se encargaba magistralmente de los arreglos; en 1932, formó su propia orquesta por donde pasaron, ni más ni menos que: Ben Webster, Teddy Wilson, Big Sid Catlett o Chu Berry; en 1934 viajó por primera vez a Europa ya consolidado como un excelente músico y actuó en Londres, Paris y Escandinavia. Regresó a los Estados Unidos en 1938, presentando su banda en el Savoy Ballroom hasta 1940 cuando llegó el declive de las bigbands.
Durante la década de los cincuenta, participó en numerosos espectáculos y conciertos por todo el mundo de la mano del del empresario Norman Granz. y su proyecto "Jazz at the Philharmonic".  Sus grabaciones en Europa y en los Estados Unidos son un testimonio inigualable del arte musical de un músico que puede ser considerado sin ninguna duda, como uno de los grandes maestros del jazz. Sus últimos años de actividad, los dedicó a la educación musical en la Universidad de Princenton.

Nacido como Bennet Lester Carter en Harlem, Nueva York el 8 de Agosto de 1907, poseía un sin igual talento con todos y cada uno delos instrumentos de la banda. Sin embrago adoptó como instrumento preferido el saxo alto y fue,  junto al excepcional Johnny Hodges, el punto de referencia antes de la aparición en escena del genial Charlie Parker, desarrollando así una importante voz en el jazz. Sus mejores solos con este instrumento figuran entre los más bellos y logrados de su época, a tal punto que su versatilidad como instrumentista, a menudo contribuyó a eclipsar su sólida aportación como orquestador y compositor.

Nos cuenta Gioia:
Carter siempre demostró un gran instinto para las posibilidades líricas del jazz, ya fueses como compositor o como intérprete.
Esta vena sentimental, que podría calificarse de "schubertiana", destaca como el elemento más definitorio de la carrera de Benny, y contribuye en buena medida a explicar la atracción duradera que ha ejercido su obra. Carter citó en varias ocasiones a Bill Challis y a Frankie Trumbauer como sus influencias claves; no obstante, cabe sospechar que en sus comienzos no escuchase únicamente jazz sino también la música de bandas "sweet" de la época. De hecho, las propias piezas de Carter manifestaban casi desde el principio una fascinación por los sonidos primorosos, los suaves matices y las melodías meditabundas, ofreciendo a los oyentes un estilo reflexivo y una música programática que contrastaba llamativamente con el enardecido "swing" que estaba a punto de barrer el país.

Y en cuanto a los ejemplos recomendados por el autor:
Sólo una de sus composiciones como "When Lights Are Low", se ha consolidado como un standard del jazz, pero a mediados de los años treinta en adelante, toda su producción constituye un fértil compendio de ingeniosas melodías basadas en la construcción de líneas de viento que mantenían una conexión implícita con el arte vocal. Ese carácter "cantable" de su obra fue también la clave de su aportación como solista. 
Una perezosa elegancia caracterizó sus mejores interpretaciones, rompiendo así algunas reglas cardinales de la improvisación y resistiendo el dominio ejercido por el estilo tan influyente de Charlie Parker. Por ejemplo, en su grabación de 1961 de "The Midnight Sun Will Never Set", Carter toca con una fluidez semejante a la del bop, pero manteniendo un fraseo relajado y un sonido profundamente personal y dulce.

Uno de los hechos más destacados de la carrera de Benny Carter fue su duración. Se ha dicho que es el único músico en haber grabado a lo largo de ocho diferentes décadas. El 12 de julio de 2003, a los 95 años, tras complicaciones surgidas por una bronquitis, Benny Carter falleció en el Hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles.


Benny Carter And His Orchestra
Chronological Classics · 1936

1 - Scandal In A Flat
2 - Accent On Swing
3 - You Understand
4 - Gin And Jive
5 - If I Could Only Read Your Mind
6 - I Gotta Go
* 7 - When Lights Are Low *
8 - Waltzing The Blues
9 - Tiger Rag
10 - Blue Interlude
11 - Bugle Call Rag
12 - Memphis Blues
13 - When Lights Are Low
14 - Some Of These Days
15 - Gloaming
16 - Poor Butterfly
17 - Drop In Next Time You're Passing
18 - The Man I Love
19 - That's How The First Song Was Born
20 - There'll Be Some Changes Made
21 - Jingle Bells
22 - Royal Garden Blues
23 - Carry Me Back To Old Virginny


Benny Carter And His Orchestra
The Complete Further Definitions Sessions


Further Definitions

1 - Honeysuckle Rose
* 2 - The Midnight Sun Will Never Set *
3 - Crazy Rhythm
4 - Blue Star
5 - Cotton Tail
6 - Body And Soul
7 - Cherry
8 - Doozy


Additions To Further Definitions

9 - Fantastic, That's You
10 - Come On Back
11 - We Were In Love
12 - If Dreams Come True
13 - Prohibido
14 - Doozy
15 - Rock Bottom
16 - Titmouse

3 de abril de 2014

History Of Jazz #84 - Andy Kirk

K - Kirk, Andy
Walkin' And Swingin' 
(2 de marzo, 1936, con Mary Lou Williams)


Andy Kirk And His Twelve Clouds Of Joy 
Chronological Classics · 1936-1937

En los años de la prohibición del alcohol y de la Depresión económica norteamericana, Kansas City fue una de las mecas florecientes del jazz. El gangsterismo, el juego y los innumerables locales de baja reputación propiciaron el caldo de cultivo necesario para la eclosión de numerosas orquestas y músicos de jazz. En ese ambiente nació el denominado estilo "Kansas City" en la historia del jazz, caracterizado por su apego al blues y sobre todo por un concepto rítmico más evolucionado que los que otros músicos desarrollaban en otras zonas de los Estados Unidos
Pero cuando la detención del alcalde Tom Pendergast, en 1938 -condenado a catorce meses de prisión por evasión de impuestos- señaló el declive del ambiente de corrupción que había potenciado la economía local, la era del swing arrancó con fuerza en otros lugares y muchos de los músicos que habían llegado a Kansas City en busca de oportunidades se marcharon. Sin embargo, aún en esa época se podía oír jazz de primera categoría en la ciudad y sus alrededores.
Uno de los músicos más representativos de ese estilo de jazz, era Andy Kirk, cuya orquesta denominada "Twelve Clouds Of Joy" fue, junto  a la de Bennie Motten y a la de Count Basie una de las más destacadas. 
Kirk se había puesto al frente de los "Terence T. Holder's Clouds Of Joys"en 1929 y mantuvo su base de operaciones en Kansas City cuando el ambiente artístico decayó haciendo que, pese a todo los inconvenientes, sus grabaciones y frecuentes giras atrajera a un público más amplio.
Andy Kirk tuvo además la suerte de que un buen día se incorporara a su banda una extraordinaria pianista y arreglista: nuestra ya conocida Mary Lou Williams, que confirió a su orquesta un toque personalismo y una idiosincrasia propia a lo largo de los más de trece años que la arreglista permaneció en la orquesta. 
Pese a su talento estelar, el ascenso de Mary Lou en las filas del "Twelve Clouds Of Joy" empezó desde abajo: por un tiempo trabajó como chofer de la banda (también conducía coches fúnebres durante ese período), convirtiéndose sólo gradualmente en compositora, arreglista y pianista titular de la banda.
Sus arreglos, como el del tema "Walkin' And Swingin'" que sugiere Gioia, estaban caracterizados por una profunda mezcla de experimentación e insistencia rítmica, en tanto que su modo de tocar el piano pronto la hizo ser anunciada estelarmente como "la dama que da swing a la banda".
La orquesta de Andy Kirk realizó el puente de unión entre la época del swing y el jazz moderno con el advenimiento del bebop hasta que, en 1948, Andy anunció su retiro, abandonando definitivamente la música para dedicarse a labores empresariales.

* 1 - Walkin' And Swingin' *
2 - Moten Swing
3 - Lotta Sax Appeal
4 - Git
5 - All The Jive Is Gone
6 - Froggy Bottom
7 - Bearcat Shuffle
8 - Steppin' Pretty
9 - Christopher Columbus
10 - Corky
11 - I'se A Muggin'
12 - Until The Real Thing Comes Along
13 - Puddin' Head Serenade
14 - Until The Real Thing Comes Along
15 - Blue Illusion
16 - Cloudy
17 - Give Her A Pint (And She'll Tell It All)
18 - Puddin' Head Serenade
19 - Fifty-Second Street
20 - The Lady Who Swings The Band
21 - What Will I Tell My Heart?
22 - Dedicated To You
23 - Wednesday Night Hop
24 - Skies Are Blue

17 de marzo de 2014

History Of Jazz #83 - Mary Lou Williams (II)

W - Williams, Mary Lou 
The Zodiac Suite
(31 de diciembre, 1945, con Ben Webster)


En 1945, Mary Lou Williams tenía a su cargo un programa semanal de radio como así también un contrato con el club Café Society, propiedad del empresario Barney Josephson. 
Fue Josephson quien le sugirió que escribiera "algo ambicioso" para su espacio radial, y así Mary Lou concibió una suite con los signos del zodíaco como inspiración. La docena de piezas resultantes también sirvieron para que ella honrara a muchos de sus colegas y amigos nacidos bajo cada uno de los signos: músicos reconocidos como Billie Holiday, Ben Webster, Duke Ellington, Bing Crosby, Benny Goodman, Paul Robeson, Lena Horne, Phil Moore, Art Tatum y Frankie Newton, o bien amigos como el comediante Imogene Coca, su colega de la radio Alan Comfrey o el boxeador Joe Louis.

El primer registro grabado de la obra fue realizado en formato trío para el sello Asch Records (más tarde convertido al nombre Folkways Records), grabaciones que en la actualidad son propiedad del Smithsonian Institution, entiadad que las reeditó en 1995, para celebrar los 50 años de su aparición, con cuatro tomas alternativas no presentes en el vinilo original.
Conforme con el resultado, el propio Barney Josephson concibió y produjo un concierto aún más ambicioso, llevado a cabo en el Town Hall de Nueva York la última noche de dicho año, con Mary Lou acompañada por una orquesta de cámara dirigida por el maestro Milt Orent y con invitados especiales como el saxo tenor Ben Webster, el clarinetista Eddie Barefield y el trompetista Irving "Mousie" Randolph. 
Es precisamente este concierto el que sugiere Ted Gioia en el libro que nos ocupa, quizá como representativo de las tendencias progresivas que la pianista comenzaba a adoptar por entonces.

Sin embargo, la realidad histórica cuenta otra cosa.
Para dicho concierto hubo muy pocos ensayos, a lo que se sumaron algunos problemas causados por la falta de experiencia en la técnica de composición como así también en la presentación sobre escenarios de conciertos.
Para colmo, el copista del Town Hall que tuvo a su cargo la transcripción de los manuscritos a las partituras finales, no sólo cometió errores propios sino que también dejó intactos algunos de la propia Williams, fruto de su inexperiencia en la técnica de este tipo de composiciones. El negativo resultado fue reconocido por la propia Mary Lou quien, al finalizar el concierto, molesta y con claros signos de frustración, recogió la totalidad de las partituras y salió de la sala rápidamente, decidida a no volver a ejecutar dicha versión nunca más en su vida.
De hecho, tenía grandes ambiciones para que al menos tres de los movimientos de la Suite  fueran orquestadas para que una sinfónica los presentara durante algún concierto en el Carnegie Hall. Sin embargo sólo fueron adaptados para la orquesta de Dizzy Gillespie cuando, con ella como participante, el trompetista se presentó en el Festival de Jazz de Newport de 1957.

Quedan a continuación, todas estas versiones mencionadas para que cada quien saque sus propias conclusiones...


 Mary Lou Williams
Zodiac Suite 

1 - Aries
2 - Taurus
3 - Gemini
4 - Cancer
5 - Leo
6 - Virgo
7 - Libra
8 - Scorpio
9 - Sagittarius
10 - Capricorn
11 - Aquarius
12 - Pisces
13 - Aries
14 - Cancer
15 - Virgo
16 - Scorpio
17 - Aquarius 


Mary Lou Williams
The Zodiac Suite
The Complete Town Hall Concert 1945

* 1 - Aries *
* 2 - Taurus *
* 3 - Gemini *
* 4 - Cancer *
* 5 - Leo *
* 6 - Virgo *
* 7 - Libra *
* 8 - Scorpio *
* 9 - Sagittarius *
* 10 - Capricorn *
 *11 - Aquarius *
* 12 - Pisces *
13 A Potpourri
a) What's Your Story, Morning Glory?
b) Cloudy
c) Ghost Of Love
d) Froggy Bottom
14 - Lonely Moments
15- Roll 'em
16 - Gjon Mili Jam Session


Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie At Newport

1 - Dizzy's Blues
2 - School Days
3 - Doodlin'
4 - Manteca Theme
5 - I Remember Clifford
6 - Cool Breeze
 7 - Zodiac Suite
a) Virgo
b) Libra
c) Aries
8 - Carioca
9 - A Night In Tunisia

3 de marzo de 2014

History Of Jazz #82 - Clifford & Max

B - Brown, Clifford y Roach, Max 
The Blues Walk
(24 de febrero, 1955)
Joy Spring
Daahoud
(6 de agosto, 1954)


Clifford Brown & Max Roach
Clifford Brown ✶ Max Roach 

En el otoño de 1956, Max Roach se trasladó a California para sustituir a Shelly Manne como baterista de los Lighthouse All Stars.  Este trabajo como acompañante duró sólo unos meses antes que el empresario Gene Norman planteara a Roach la posibilidad de liderar su propio grupo en el California Club. Roach ya lo había hecho alguna vez en el pasado, pero, según el mismo lo admitía, nunca se había dedicado de un modo resuelto a liderar una banda.
La propuesta de Norman impulsó a Roach a formar un quinteto que no sólo provocaría un giro en su carrera, sino que estaría destinado a convertirse en la formación más influyente en el ambiente del jazz de principios de 1950.
Para ejercer el coliderazgo de la banda, Roach invitó a un joven trompetista que había hecho sus primeras grabaciones con una banda de rhytm and blues, pero anunciado como talento destacado por los entendidos en jazz: Clifford Brown.
Nacido en Wilmington (Delaware) el 30 de Octubre de 1930, Clifford Brown comenzó a recibir clases de trompeta a los doce años. Sus estudios, bajo la supervisación del influyente educador de jazz Robert Lewery, pusieron el énfasis en el entrenamiento de su oído y la técnica básica de trompeta. Durante un tiempo, Brown estudió matemáticas en el Delaware State College, pero antes de cumplir los veinte años ya había optado por emprender una carrera en el jazz. Un accidente sufrido en 1950 (terrible presagio de su muerte), mantuvo a Clifford al margen casi todo un año, período que dedicó a practicar piano y ampliar sus conocimientos  de armonía.
Así descrita, la educación musical de Brown podría parecer superficial, pero el resultado final fue digno de conservatorios como el Juilliard o el Eastman. Cuando a mediados de 1950 irrumpió en el panorama del jazz, Brown se había convertido en todo un virtuoso. 
Tal vez careciese del ámbito de Dizzy Gillespie, o del inspirado temperamento de Miles Davis, pero la ejecución perfecta y el control del sonido que lo caracterizaban, no tenían par en el panorama de entonces.

El trabajo del quinteto Brown/Roach -cuya primer formación se completaba con George Morrow en contrabajo, Harold Land en saxo tenor y Richie Powell en el piano-, consistió en unir con éxito el brillo de las salas de concierto con la energía desenfrenada y el ímpetu creativo del jazz moderno. Con esa combinación, la composición y los arreglos se enfatizaban mientras que las aristas más afiladas del bebop quedaban redondeadas. Cuando tocaban temas clásicos, la banda añadía giros interesantes a la interpretación. En otros casos, los característicos unísonos del bebop se veían sustituidos por líneas contrapuntísticas de trompeta y saxofón. Se inclinaban más por los tiempos medios pero, cuando abordaban una pieza muy rápidamente, las interpretaciones sonaban controladas y serenas. Incluso los solos de batería más apasionados de Roach reflejaban un interés por la estructura compositiva y los sutiles efectos dinámicos. Era siempre evidente hasta cierto punto una tensión lírica, pero que nunca tapaba la influencia habitual del blues. La música unía estas corrientes dispares en un estilo coherente que mostraba una lealtad subyacente a la tradición del bebop, pero que se veía temperada por estas otras corrientes.
Con el tiempo, este estilo acabaría siendo conocido como hard bop. Es posible que el Brown/Roach Quintet no fuera el inventor de este sonido. Sin embargo, ningún grupo dio mayor impulso al lenguaje del hard bop como este fundamental quinteto. Durante la siguiente década, este estilo ganaría aceptación como el sonido aceptado como dominante en el jazz moderno.

Con una serie de grabaciones realizadas en Agosto de 1954 en Holywood y en Febrero de 1955 en Nueva York, el Brtown/Roach Quintet dio a conocer lo más preciado de su evolución. Dos de esos registros, "Joy Spring" y "Daahoud", destinados a convertirse en clásicos del jazz, tuvieron interpretaciones insuperables, adornadas con excepcionales solos de trompeta, al igual que "Jordu", "Delilah" y "Parisian Thoroughfare", todas ellas con un sonido de tempo medio cuidadosamente arreglado y ampliamente imitado por los conjuntos del hard bop posteriores. Por su lado, "Sandu", una pieza teñida de góspel, anticipaba la faceta del soul jazz que adoptaría poco después el movimiento hard bop y "The Blues Walk" subrayaba el lado más enérgico del conjunto, con una ardiente interpretación que alcanzaba su clímax con una serie deslumbrante de estribillos de persecución que medía a Brown con el saxofonista Harold Land.

El Brown/Roach Quintet duró poco más de dos años. En Junio de 1956, Clifford murió en un accidente automovilístico sufrido de madrugada en la autopista de Pennsylvania, junto con el pianista Richie Powell y la esposa de éste. 
El temprano fallecimiento de Clifford Brown resultaba trágicamente irónico: era uno de los pocos músicos de jazz moderno que había evitado las indignidades de la adicción, representando, ante los músicos jóvenes, un valioso ejemplo no sólo de su faceta musical sino también en su conducta fuera del escenario.

1 - Delilah
2 - Parisian Thoroughfare
* 3 - Daahoud *
* 4 - Joy Spring *
5 - Jordu
* 6 - The Blues Walk *
7 - Wat am I Here For?
8 - These Foolish Things
9 - The Blues Walk (alternative take)
10 - Daahoud (alternative take)
11 - Joy Spring (alternative take)

27 de febrero de 2014

** FLASHBACK - Stan Kenton **



Stan Kenton: The Complete Capitol Recordings
Of The Holman & Russo Charts 

Como bien lo señala el crítico  Michael Erlewine, The Complete Capitol Recordings Of The Holman & Russo Charts reúne, en cuatro discos compactos, 72 trabajos que Bill Holman y Bill Russo compusieron  y/o arreglaron para la orquesta de Stan Kenton. Fuera de circulación por mucho tiempo, estas grabaciones contienen algunos de los puntos más altos de la carrera de Kenton como innovador y líder de la experimentación en el campo de las Big Bands, y representan un testimonio de una de sus más extraordinarias bandas, en la que podía amalgamarse sin inconvenientes la intelectualidad vanguardista de Russo y el swing propuesto por Holman.

CD1 
1 - Solitaire
2 - Halls Of Brass
3 - Ennui
4 - Adiós
5 - Bill's Blues
6 - Portrait Of a Count
7 - Frank Speaking
8 - 23 Degrees North, 82 Degrees West
9 - Invention For Guitar And Trumpet
10 - My Lady
11 - Improvisation
12 - Harlem Nocturne
13 - I Gotta Right To Sing the Blues
14 - There's A Small Hotel
15 - Sophisticated Lady
16 - Over The Rainbow
17 - Lover Man

CD2 
1 - Bags
2 - Shadow Waltz
3 - Fascinating Rhythm
4 - And The Bull Walked Around, Olay
5 - Jeepers Creepers
6 - If I Should Lose You
7 - All About Ronnie (alt.take)
8 - Baia
9 - All About Ronnie (master take)
10 - I Get A Kick Out Of You
11 - I've Got You Under My Skin
12 - You And The Night And The Music
13 - April In Paris
14 - Crazy Rhythm
15 - Autumn In New York
16 - Reverie
17 - I Got It Bad
18 - How High The Moon
19 - Theme And Variations
20 - Zoot
21 - Of All Things

CD3 
1 - Lover Man
2 - In Lighter Vein
3 - My Funny Valentine
4 - Hav-A-Havana
5 . Bacante
6 - A Theme Of Four Values
7 - Dusk
8 - Solo For Buddy
9 - The Opener
10 - Kingfish
11 - Fearless
12 - Sweets
13 - A Study For Bass
14 - Blues Before And After
15 - Egdon Heath
16 - Thisbe
17 - Stella By Starlight
18 - Yesterdays

CD4 
1 - Cherokee
2 - I've Got You Under My Skin
3 - What's New
4 - Black Coffee
5 - The Thrill Is Gone
6 - Stompin' At the Savoy
7 - Royal Blue
8 - Stompin' At the Savoy
9 - Don't Be That Way
10 - I Got Rhythm
11 - The Morning After
12 - Stairway To The Stars
13 - Malagueña
14 - Limehouse Blues
15 - A Lot Of Livin' To Do
16 - It's a Big, Wide, Wonderful World